La artista Matilde Marín participó en la muestra internacional de video Roots x Branches Beyond the Pacific, presentada en el Chongqing Contemporary Art Museum, en China. Curada por Elizabeth Ross (México) y Li Xiaonan (China), la exposición reunió cerca de 60 artistas mujeres de 18 países, principalmente de América Latina y el Caribe, junto a artistas chinas. Marín participó con la obra Deriva, integrando un recorrido audiovisual centrado en la producción contemporánea de artistas mujeres en un contexto internacional.
La muestra buscó visibilizar prácticas artísticas latinoamericanas en el contexto asiático contemporáneo, promoviendo el intercambio cultural, el diálogo interdisciplinario y la creación de redes entre artistas, curadores e instituciones de ambas regiones. A través del videoarte, el proyecto propuso un cruce entre distintas perspectivas sociales, políticas y tecnológicas, poniendo en diálogo producciones latinoamericanas atravesadas por la memoria y la resistencia con narrativas inmersivas y experimentales desarrolladas por artistas chinas. Más que una exhibición, Roots x Branches Beyond the Pacific funcionó como una plataforma de encuentro e intercambio cultural entre América Latina y Asia contemporánea.
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Se presentó la cuarta sesión de SALA. Sonido Abierto Latinoamericano, el proyecto digital impulsado por Malba junto a Sony Music, que invita a artistas a interpretar una canción propia y una versión latinoamericana. En esta edición, Marilina Bertoldi grabó a museo cerrado en una sala expositiva, donde interpretó “Amores como el nuestro” de Los Charros y su tema “De caza”, en diálogo con la muestra Ideas correspondientes, 1964-1984 de Margarita Paksa, curada por Nancy Rojas.
La propuesta articula obras de la colección y exposiciones temporales con la escena musical contemporánea, explorando la identidad latinoamericana. La intensidad performática de Bertoldi se integra al espacio del museo, generando un cruce entre sonido, obra y contexto. El lanzamiento incluyó la proyección del video y una conversación con la artista, disponible desde ahora en el canal de YouTube del museo.
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La casa del viento
Marcela Cabutti
Curaduría: Eva Grinstein
MARCO — Museo de Arte Contemporáneo de La Boca
Almirante Brown 1031, Buenos Aires, Argentina
Inauguración: 28 de marzo de 2026, de 16 a 20 h
La exposición reúne y sintetiza distintas líneas de la producción de Marcela Cabutti en una propuesta centrada en las fuerzas invisibles que atraviesan la naturaleza. En este caso, el viento se presenta como eje del recorrido, no como metáfora sino como un agente concreto que transforma, desplaza y conecta.
Las obras exploran procesos como la erosión, el movimiento y las transformaciones lentas de la materia, poniendo en juego una mirada atenta sobre el tiempo y sus efectos. El montaje acompaña esta perspectiva, construyendo una experiencia más sensorial que narrativa.
En conjunto, la muestra se presenta como una instancia de madurez dentro de la práctica de la artista, donde forma, materialidad y concepto se articulan con claridad, invitando a una observación detenida de lo sutil.
Marcela Cabutti (La Plata, 1967) es escultora contemporánea formada en la Universidad Nacional de La Plata. Su trabajo investiga la relación entre forma, espacio y materia, articulando elementos arquitectónicos y orgánicos mediante una práctica que combina saber técnico, experimentación y trabajo artesanal.
Ha desarrollado una producción que dialoga con procesos industriales y materiales como el vidrio y el ladrillo, incorporando influencias de la arquitectura y experiencias en residencias y formación internacional. Sus obras construyen universos formales propios, donde lo estructural y lo sensible se entrelazan.
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Difícil decir adiós
Curaduría: Daniel Fischer
Centro Cultural Borges — Espacio Berni (Piso 2)
Viamonte 525, Ciudad Autónoma de Buenos Aires
La muestra Difícil decir adiós propone una experiencia introspectiva en torno a la despedida, la pérdida y la transformación. A través de un montaje concebido específicamente para el espacio, la exposición construye un recorrido sensorial que trabaja con nociones de vacío, tránsito y permanencia.
En este contexto se presenta Travesía (2002), video monocanal de 4 minutos y 55 segundos, en el que Matilde Marín aborda la experiencia migratoria como un relato visual sin palabras. Inspirada en el denominado “Efecto CNN” —fenómeno mediático que, a comienzos de los años 2000, expuso en tiempo real las consecuencias humanas de guerras y crisis migratorias— la obra representa el tránsito de quienes emigran impulsados por la violencia, el conflicto o la necesidad. A lo largo del video, una sucesión de rostros —desde una joven casi adolescente hasta una mujer adulta— dirige la mirada hacia un destino incierto, condensando emociones como la decisión, la espera, la esperanza y la resistencia.
La curaduría de Daniel Fischer concibe el espacio expositivo como un elemento activo del relato, enfatizando silencios, pausas y distancias. Más que ofrecer una narrativa cerrada, la muestra se plantea como un campo abierto a la experiencia perceptiva, invitando al espectador a una reflexión personal donde lo íntimo y lo colectivo se entrelazan en torno al tiempo, la ausencia y la separación.
Matilde Marín (Buenos Aires, 1948) es artista visual argentina que trabaja con fotografía, video, grabado e instalación. Su producción actual está enfocada en el rol del artista como “testigo”, registrando relatos sobre el mundo que habitamos, así como situaciones que se relacionan con el paisaje puro y su alteración natural o artificial. Ha realizado numerosas exposiciones en América Latina y Europa y recibido importantes distinciones, como el Premio Konex de Platino y el Premio Jorge Romero Brest.
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Esteban Pastorino — S/T
Centro Cultural Borges | Espacio de Fotografía (Piso 1)
Viamonte 525, Ciudad Autónoma de Buenos Aires
La exposición presenta una exploración en torno a las diversas formas de representación del espacio-tiempo a través del medio fotográfico. Este eje de trabajo, desarrollado por Esteban Pastorino en los últimos años, sitúa a la técnica como un elemento central tanto en la construcción conceptual como en la resolución formal de las obras.
La muestra reúne una serie de piezas de formatos diversos que ponen en juego distintos procedimientos, desde la fotografía aérea hasta panorámicas analógicas de gran extensión. A través de estas estrategias, las obras tensionan los límites tradicionales de la imagen fotográfica y proponen nuevas formas de percepción y registro del espacio y el tiempo.
Esteban Pastorino (Buenos Aires, 1972) es artista visual con formación en ingeniería y fotografía. Su práctica se centra en la experimentación técnica, especialmente a través de dispositivos diseñados por él mismo, con los que realiza sus reconocidas fotografías aéreas.
Su obra propone nuevas formas de percepción del espacio, generando una tensión entre lo real y lo construido. Ha expuesto en instituciones de América y Europa, recibido premios como los de la Asociación Argentina de Críticos de Arte y la Fundación Konex, y su trabajo forma parte de colecciones de museos internacionales. Vive y trabaja en La Plata.
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Esta exposición reúne las obras de Ginevra Landini (1996) y Emilio Renart (1925–1991), dos artistas que exploran la abstracción como un territorio donde el cuerpo, la mente y el cosmos se entrelazan. Desde generaciones distintas, ambos investigan las conexiones entre lo microscópico y lo universal, entre la experiencia sensorial y las estructuras que organizan la vida.
Las obras revelan la búsqueda de una semiótica sensorial propia: una escritura visual cuyos grafemas son células, filamentos, redes neuronales y formas orgánicas. Más que representar ideas, estas formas funcionan como sistemas abiertos donde la línea y la materia conectan escalas —de lo celular a lo cósmico— y despliegan relaciones entre cuerpo, pensamiento y materia.
En las investigaciones de Emilio Renart, las líneas y organismos celulares aparecen como una exploración de la conciencia humana que expande el cuerpo desde su interior microscópico hacia dimensiones sociales y cósmicas. En las obras de Ginevra Landini, el material y las formas orgánicas emergen como cartografías sensibles donde raíces, ramificaciones y halos registran estados de percepción, memoria y pensamiento. Ambos artistas proponen un campo donde lo micro y lo macro se conectan continuamente, presentando la conciencia, las emociones y la materia como parte de un mismo sistema vivo.
Los invitamos a descubrir este diálogo entre dos artistas que, desde distintos tiempos y sensibilidades, exploran la abstracción como un espacio de conexión entre cuerpo, materia y cosmos.
Curador: Javier Villa
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Del Infinito + MC Galería
En el marco de ARCOmadrid 2026, se presentará un proyecto curatorial dedicado a la obra de Margarita Paksa (Buenos Aires, 1932–2020) y Oscar Bony (Posadas, 1941 – Buenos Aires, 2002), dos figuras centrales de la vanguardia argentina cuya producción redefinió de manera radical las intersecciones entre arte, política y experimentación estética en la segunda mitad del siglo XX.
Desde la década de 1960, ambos artistas desplazaron el campo artístico hacia un territorio de cruce donde estética, tecnología, cuerpo y política se articularon de manera indisociable. En el clima experimental del Instituto Torcuato Di Tella, sus prácticas desbordaron los marcos disciplinares tradicionales y pusieron en tensión la frontera entre arte y vida, configurando dispositivos críticos que cuestionaron tanto las estructuras sociales como los regímenes de representación y los circuitos institucionales de legitimación y circulación.
Al poner en relación ambas trayectorias, la propuesta enfatiza la vigencia de sus investigaciones y la capacidad de sus obras para reactivar preguntas en torno a las intersecciones entre arte y política, tecnología y cuerpo, imagen y poder. El diálogo entre Paksa y Bony no solo reconstruye un momento decisivo de la vanguardia argentina, sino que proyecta hacia el presente una concepción del arte como campo de experimentación crítica, donde forma y contenido se articulan en una misma operación estética y conceptual.
Stand 7A18
4–8 de marzo de 2026 · IFEMA MADRID, Madrid
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Un reconocimiento histórico para uno de los artistas más innovadores de la vanguardia experimental argentina. Alberto Greco, desde sus exploraciones iniciales en el informalismo, hasta sus acciones, intervenciones urbanas y poemas, convirtió la vida misma en obra, desplazando el arte hacia el terreno de lo inesperado y lo inmediato.
La retrospectiva Viva el arte vivo revisa su producción entre 1949 y 1965, incluyendo pinturas, dibujos, collage y escritos. A través de estas prácticas, Greco firmaba personas y lugares cotidianos, declarando que el arte no debía representarse, sino suceder. Su paso por Madrid dejó una huella decisiva, integrando cultura popular, medios de comunicación y autobiografía en una poética anticipatoria de debates actuales sobre performance, archivo y autorrepresentación.
Esta exposición no solo revaloriza una figura clave del siglo XX, sino que restituye la dimensión conceptual y política de una obra que tensionó los límites entre institución, calle y experiencia.
Para nosotros es un honor haber acompañado este proyecto, en una de las instituciones más relevantes del arte contemporáneo internacional, mediante el préstamo de obras y material de archivo, reafirmando su compromiso sostenido con la investigación, preservación y difusión internacional del legado de Greco.
Información práctica
- Fechas: 11 de febrero de 2026 – 8 de junio de 2026
- Lugar: Museo Reina Sofía — Edificio Sabatini, Planta 0 (Madrid)
- Curaduría: Fernando Davis
- Organiza: Museo Reina Sofía
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El jueves 5 de febrero a las 18:00 hs, en la Biblioteca MALBA, se realizará la mesa de conversación Margarita x Margarita: Textos hablados. Textos escritos, en el marco de exposición Margarita Paksa. Ideas correspondientes. 1964-1984.
La actividad propone un acercamiento a Margarita Paksa como escritora y pensadora, a partir de sus textos orales y escritos de las décadas de 1960 a 1990, en diálogo con su práctica artística, el lenguaje, la tecnología y el contexto político.
Participan Teresa Riccardi y Daniel Quiles. La entrada es gratuita con inscripción previa.
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Entre el 11 de febrero y el 8 de junio, el Museo Reina Sofía presenta Viva el arte vivo, una exposición que revisita la figura radical y experimental de Alberto Greco (Buenos Aires, 1931 – Barcelona, 1965), clave en la vanguardia artística de Argentina y España.
Pintor informalista, poeta, performer y flâneur queer, Greco convirtió su propia vida en obra de arte a través de acciones públicas, exposiciones rodantes y gestos mediáticos. La muestra recorre su producción entre 1949 y 1965 —pinturas, escritos, collages, dibujos, acciones y su novela Besos brujos— y recupera su proclamación del “arte vivo”, una práctica que integraba la vida cotidiana al arte mediante performances efímeras, firmas de personas y lugares, y declaraciones urbanas que dejaron una huella especial en Madrid.
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La exposición “Puls andán: cuando Latinoamérica latía en el corazón de París” se presenta en la Galería Del Infinito, reuniendo por primera vez la obra de dos figuras claves del arte argentino radicadas en París: Héctor García Miranda y Alicia Penalba.
La muestra articula pinturas cinéticas de García Miranda con collages, prototipos escultóricos y materiales inéditos de Penalba, así como un registro filmado de Los Calchakis interpretando música andina en el taller de la escultora en los años sesenta.
Curada por Javier Villa, la exhibición propone un recorrido que reactiva un momento fecundo de la modernidad, donde la abstracción y la identidad latinoamericana se entrelazaron en el vibrante contexto cultural parisino.
La propuesta sitúa la obra de ambos artistas —vinculada al exilio, al desarraigo y a la transformación de la memoria en forma y ritmo— como un puente entre las geografías latinoamericanas y europeas, invitando a redescubrir ese latido común que los conectó.
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Alberto Greco: Viva el arte vivo — Exposición en el Museo Reina Sofía (Madrid)
El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía presenta Alberto Greco. Viva el arte vivo, una exposición retrospectiva dedicada a Alberto Greco (Buenos Aires, 1931 – Barcelona, 1965), figura decisiva de la vanguardia experimental y fundador del arte vivo. La muestra recorre su breve pero intensa trayectoria, entendida como un itinerario errante entre ciudades y escenas culturales, donde el arte y la vida se confunden deliberadamente.
La exposición reúne obras realizadas entre 1949 y 1965, desde sus primeros escritos y su pintura informalista —centrada en la materialidad, los derrames y la tensión de la superficie— hasta sus acciones y objets vivants, los dibujos realizados en Madrid y los collages que el propio artista denominó “de autopropaganda”. El recorrido incluye, además, la novela Besos brujos, escrita poco antes de su muerte.
En el centro del proyecto aparece el arte vivo (que luego también llamó vivo-dito), formulado por Greco en París en marzo de 1962: un modo de hacer que desplaza la obra hacia lo situacional y lo inmediato. Bajo estas consignas, el artista “firmó” personas y espacios cotidianos, declaró lugares como obras de arte y extendió su práctica a la calle como escenario de invención estética.
La muestra subraya también cómo ese impulso se prolonga en dibujos y collages atravesados por escrituras, referencias a la cultura popular y a los medios de masas, modulaciones afectivas y registros de lo cotidiano, donde coexisten el vagabundeo urbano, el gesto pop y el archivo íntimo.
Colaboración institucional
Desde hace más de quince años, Galería Del Infinito investiga de manera sostenida la obra y el pensamiento de Alberto Greco, un trabajo que dio lugar en 2020 a la publicación La aventura de lo real. Escritos de Alberto Greco, volumen que reúne textos inéditos del artista y pone en valor su escritura como parte constitutiva de su práctica.
En este marco, la Galería Del Infinito participa activamente en la retrospectiva del Museo Reina Sofía mediante un importante préstamo de acervo y archivo, reafirmando su compromiso con la investigación, la conservación y la difusión internacional del legado de Greco.
La retrospectiva del Reina Sofía no solo revaloriza a un artista fundamental del siglo XX, sino que también resignifica prácticas artísticas que continúan impulsando debates contemporáneos en torno a la acción, el archivo y la experiencia estética. Como espacio comprometido con el pensamiento crítico y la historia del arte, celebramos este diálogo internacional con una figura que ha marcado profundamente el desarrollo de las prácticas conceptuales.
Información práctica
- Fechas: 11 de febrero de 2026 – 8 de junio de 2026
- Lugar: Museo Reina Sofía — Edificio Sabatini, Planta 0 (Madrid)
- Curaduría: Fernando Davis
- Organiza: Museo Reina Sofía
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