Muestras

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MUESTRA URRA.

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SIN TÍTULO. BETO DE VOLDER Y ANDRES SOBRINO

La tradición geométrica en nuestro país es enorme y son muchos los maestros que viraron el rumbo de la escena del arte nacional, que seamos sinceros, no siempre ha sido la más abierta. Ellos transformaron este campo, volviéndolo más sutil y elegante por medio de la implementación de elementos mínimos y logrando poner en primera plana los aspectos fundamentales de una obra: línea, forma y color.
Cuando a partir de las década del 1940 en Argentina los grupos promotores del arte concreto y la geometría irrumpieron en la escena artística como un torbellino silencioso, siguiendo el mandato de los primero artistas abstractos y alejándose de la idea obvia de representación, plantaron una semilla que desde entonces ha dado los frutos más fantásticos. Ellos lograron que se valorara el refinamiento que caracterizaba sus obras y de esta manera re-educaron y estilizaron la mirada del espectador.
Y a pesar de que desde el surgimiento de estos movimientos ha pasado mucho tiempo, las nociones que desarrollaron descansan hoy en los hombros de una generación de artistas geométricos contemporáneos, tanto emergentes como establecidos, que defienden y continúan esas tradiciones pictóricas. Beto de Volder y Andrés Sobrino lo vienen haciendo hace más de veinte años y por eso son dos referentes que hoy se unen en una muestra que busca priorizar la imagen por sobre todo.
En las pinturas de Andrés Sobrino las figuras geométricas son predominantes. Distinguidas y de un brillo seductor, se posan sobre la superficie del plano donde uno puede encontrar rectángulos, líneas que se entrecruzan, cuadrados o rombos, contenidos por el fondo. Suuso de materiales naturalmente relacionados con la industria permiten que la evidencia de la mano del artista sea casi obsoleta. Aún así se percibe la calidez del hacer artesanal que Andrés deposita, quizás sin quererlo, en cada uno de estos trabajos. La importancia del color es otro factor fundamental en la obra, que en esta ocasión se reduce a un puñado de amarillos, azules, un toque de rosa y el clásico blanco y negro, que dialogan en absoluta armonía. Sus obras proporcionan la exuberante sensación de poder apreciar los aspectos más puros del arte simplemente porque sí.
Para Beto de Volder esta muestra es una oportunidad para volcar sus geometrías blandas al papel (práctica que ya había experimentado) y la tela, a través de figuras poéticas, donde por momentos se pierde la noción de principio y fin, de arriba y abajo. Es como si bajara sus esculturas de la pared para despojarlas y empezar de cero. Al igual que en el caso de Sobrino, son pocos pero efectivos los colores que predominan, por medio de los cuales crea formas minimalistas que flotan en el fondo blanco del papel. Son círculos que se entrelazan para transformarse en una especie de infinito y figuras orgánicas dispuestas de manera tal que uno no termina de distinguir si se trata de geometrías o partes del cuerpo, o porque no ambas.
Pero por sobre todo, esta experiencia busca poner en valor a la imagen por sí misma, ya que como ellos expresaron en algún encuentro, a veces las palabras están de más y el verdadero valor radica en
aprender a contemplar la obra y tomar de ella lo que cada uno quiera. Esta muestra ha sido pensada para ser profundamente mirada.

Manuel Espinosa, sin titulo, Gouache sobre papel, 27,4 x 37,5 cm, 1950

MAESTROS

A partir de la década de 1940 en Argentina se generó el quiebre que inició la saga de la vanguardia local que buscaba alejarse de la representación figurativa y llevar a las artes plásticas a un estadio superior. El arte concreto, conformado por grupos como la Asociación Arte Concreto-Invención y Grupo Madí y las corrientes geométricas posteriormente, son responsables en gran medida de esta ruptura que transformaría de manera definitiva los paradigmas en el campo de las artes plásticas.
Del Infinito presenta la muestra “Maestros” con el objetivo de homenajear a estos grandes referentes, entre los que se encuentran Carmelo Arden Quin, Martha Boto, Hugo Demarco, Manuel Espinosa, Enio Iommi, Gyula Kosice, Julio Le Parc, Raúl Lozza, Alejandro Puente, Rogelio Polesello, Clorindo Testa, Luis Tomasello y Carlos Silva con el objetivo de mostrar al público trabajos históricos que pocas veces han sido exhibidos en conjunto. La mayoría de estas obras pertenecen a períodos y series fundamentales dentro de la carrera de cada uno y nos permiten contextualizar y comprender cómo llegaron a convertirse en los grande maestros del arte nacional.
Acerca de los artistas.
Carmelo Arden Quin (1913-2010) fue uno de los referentes más importantes del arte latinoamericano. Pintor, escultor, poeta e intelectual; produjo por más de sesenta años una obra profundamente original, fruto de su indeclinable voluntad de renovación, entre intuiciones y conceptualizaciones, en el diálogo ininterrumpido con el plano y las formas geométricas. Arden Quin demostró tener un interés en la libre invención de la obra de arte, alejada de todas las convenciones y preceptos del arte clásico. En sus investigaciones, el color y la bidimensionalidad cobraban importancia, experimentando con las formas poligonales y las superficies curvas cóncavas y convexas.
Martha Boto (1925-2004) centró su trabajo en la experimentación del movimiento, la luz y el color. Partiendo de un interés en torno a la transformación que el movimiento y los materiales producen sobre la luz, Boto realizó obras móviles y colgantes en plexiglás, aluminio o acero inoxidable, provistas de superficies y elementos reflectantes o transparentes. Valiéndose de estos mismos materiales produce además ensamblajes no móviles centrados en la reflexión distorsionada de la luz: las proyecciones y reflexiones luminosas de diversos colores que actúan, en ciertas obras, sobre materiales transparentes.
Para Hugo Demarco (1932-1995) la búsqueda cinética concierne en primer lugar a los elementos plásticos y los problemas que ellos presentan, y no a la búsqueda de un estilo estable o definido. Sus obras se caracterizan por la investigación del tiempo y su desmaterialización, y por la tentativa de crear volúmenes en el espacio a través de superficies planas. La transformación de la imagen provocada por el desplazamiento del espectador y las perspectivas modificadas por la reflexión de la luz y el movimiento real son también elementos centrales en su producción.

Determinado por la ruptura y el desafío, Manuel Espinosa (1912-2006) experimentó las posibilidades plásticas de la abstracción geométrica de tendencia constructiva. Si bien a lo largo de su carrera continuó sus búsquedas dentro de dicho lenguaje, ha investigado otras posibilidades aproximándose incluso al arte óptico. Su obra se caracterizó por la repetición del cuadrado o del círculo en toda la superficie compositiva. Sobre esta disposición serial trabajó sombras, superposiciones y desplazamientos, que le permitieron incorporar relaciones espaciales de avance y retroceso en la superficie plana.
Enio Iommi (1926-2013) es considerado una figura paradigmática de la escultura argentina desde sus inicios en la década de los años 40. En 1946 funda, junto a otros artistas argentinos, la Asociación Arte Concreto-Invención por medio de la cual hace una ruptura con los cánones académicos que se seguían en el arte argentino. Desde entonces nunca dejó de ser transgresor. Mientras que en los ‘70 busca ampliar los limites trabajados desde la estética concreta y la realización de objetos ensamblados, en sus últimos años asume una critica irónica y severa a la industrialización y el consumo. Por lo que sus obras terminan remitiendo a las nociones de obra de arte y la relación con el mercado, a pesar de trabajar en el centro de la escena artística.
Gyula Kosice (1924-2016). Después de participar como co-fundador de la Asociación Arte Concreto-Invención –junto a Tomás Maldonado, Enio Iommi, Alfredo Hlito y Lidy Pratti entre otros- y de la revista Arturo, en 1946 Gyula fundó el Movimiento Madí, en cuyo manifiesto postuló la “pluralidad y ludicidad como valores absolutos”, emblema con el que buscaba liberar a los elementos plásticos y redimirlos de la sujeción a un tema que determinara su expresividad. Fue pionero en la utilización del agua y el gas neón en una obra de arte y el primer artista latinoamericano en realizar una escultura articulada y móvil.
Julio Le Parc (1928) es considerado uno de los grandes referentes del arte geométrico, tanto óptico como cinético. Utiliza en sus obras elementos que sorprenden o que sugestionan a la mirada, buscando involucrar absolutamente al espectador dentro de la obra. Le Parc propuso en los años ́60 una ruptura con la tradición artística que había prevalecido hasta entonces, alejándose de la obra estática y acercándose a una concepción dinámica del arte. A lo largo de los años sus investigaciones lo llevaron a crear obras que estuvieran en perpetua transformación y en constante inestabilidad, alentando una relación activa entre el espectador y el objeto artístico.
Raúl Lozza (1911-2008) es una figura clave de la vanguardia argentina de la década de 1940, así como de la abstracción basada en ideas y prácticas fundamentadas en proyectos sistemáticos y constructivistas. Frente al movimiento subjetivo de toda pintura representativa y abstracta basada en la apariencia y el movimiento mecánico de traslación, Lozza consideró aplicable un movimiento dialéctico, al cual denominó Perceptismo, que buscaba el equilibrio del plano, la forma y el color. Lozza sostenía que la causa de esta dinámica está dada por las leyes de la pintura y su transformación constante es causada por la actuación o actividad creadora del hombre.
Alejandro Puente (1933-2013) orientó sus búsquedas hacia una geometría sensible y para 1967 ya estaba trabajando en la vertiente de las estructuras primarias, profundizando luego hacia un giro conceptual. Entre otras cosas Puente trabajó en obras cuyo énfasis estuviera puesto en el color y la capacidad de convertirse en campo perceptivo. Esto lo vincula con la llamada geometría pos-pictórica, de bordes netos y
pinceladas ocultas que desembocan en estructuras tridimensionales.
Para Rogelio Polesello (1939-2014) el efecto y la interacción entre la obra y el espectador era fundamental, generando desde allí un aparente movimiento en las obras y un cambio en la percepción del otro. Por otro lado a través de sus piezas en acrílico extiende sus posibilidades mas allá del dibujo y la pintura, constituyendo uno de los capítulos centrales en su desarrollo. Es con ellas que la expresión pictórica se sale de la pared, invadiendo el espacio y generando un cambio en la forma de comprender y observar.
Carlos Silva (1930-1987) adoptar el vocabulario geométrico y siempre optó por presentarse como artista autodidacta. Trabajó en diseño gráfico y textil, experiencia que trasladó al campo de las artes plásticas. Mientras que las composiciones de su primera etapa priorizaron las formas simples, más tarde trabaja sobre la base de círculos y puntos extendidos sobre un entramado reticular. En la década del sesenta otorgó primacía al color y las pinturas adquirieron un acento personal. Las relaciones formales y cromáticas imprimieron mayor movilidad al plano del soporte, provocando vibraciones o efectos de parpadeo.
Clorindo Testa (1923-2013) es conocido como notable arquitecto y artista visual. Dentro de su obra arquitectónica la sede central del Banco de Londres es un ejemplo de ruptura en el desarrollo de la arquitectura nacional que Testa implementó desde la década de 1950, transformándose en un precursor. Como artista plástico se interesó por corrientes como el informalismo, mediante la incorporación de materiales como cartones y metales, y la abstracción.
Luis Tomasello (1915-2014) centra su atención en las manifestaciones de la luz sobre la superficie del relieve. Los juegos de luz y sombra generan reflejos cambiantes a partir de la incidencia de la luz sobre el fondo de la obra, logrando una vibración sensible en el ojo del espectador. Lejos de parecer estática, la combinación de las formas, los colores y el fondo dan como resultado una sensación de movimiento. A partir de 1981 sus experimentaciones se amplían hacia la búsqueda de los cambios producidos en el color negro. De esta forma producirá incisiones en el plano negro con el motivo de observar cómo incide la luz sobre el negativo.

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HOY, ¡GRAN MAÑANA!, EN LOS PINOS SOPLAN VIENTOS DEL PASADO

Del Infinito presenta “Hoy, / ¡gran mañana!, / en los pinos soplan vientos / del pasado” una muestra individual de Axel Straschnoy bajo la curaduría de Javier Villa. La muestra presenta tres proyectos de Straschnoy del período 2003-2006, que comienza con la invitación a participar de la exhibición Ex-Argentina y termina con su mudanza a Helsinki y el cierre de su taller. Lo particular de El constructor (2003), Estudio (2005), y Los Proyectos Medley Taller Boceto (2006) es que al mismo tiempo que toman la forma de proyectos, uno de sus temas centrales es el taller del artista. Los primeros dos nunca fueron realizados y si bien partes de El Constructor aparecieron en muestras previas, ésta es la primera presentación completa de ambos.
Los tres proyectos fueron concebidos en un momento socio-político y cultural peculiar. Al principio de la década del 2000 – justo después de la crisis de 2001 – dos formas de entender la producción artística estaban confrontadas en la escena de Buenos Aires: por un lado, los artistas que trabajaban en proyectos con temas políticos, principalmente en el espacio urbano; por otro, los artistas vinculados al Centro Cultural Rojas durante los años 90, cuya producción se centraba en objetos ornamentales producidos dentro del taller, destinados al espacio expositivo. Straschnoy apareció en el contexto de una nueva generación que sostuvo la premisa de que las categorías de “proyecto político” y “objeto formal de taller” debían ser ignoradas o fundidas una con otra. El antagonismo que se sostuvo en el arte argentino desde la confrontación de los grupos de Florida y Boedo durante las primera vanguardias del siglo XX, se volvió inoperante a la entrada de un nuevo milenio.
En un momento en el cual curadores e historiadores del arte están comenzando a escribir la historia de los primeros 2000 en Buenos Aires, “Hoy, / ¡gran mañana!, / en los pinos soplan vientos / del pasado” ubica el trabajo de Straschnoy en contexto. La muestra presenta la forma en la cual sus proyectos proponían nuevas formas de diálogo entre las fuerzas en crisis en el arte y la arena política del momento. Influenciada por los proyectos en exhibición, la muestra combina dos maneras de tratar objetos del pasado, muchos de los cuales no fueron creados para ser exhibidos pero que hoy son los únicos restos de los proyectos a los que pertenecen: es una mirada retrospectiva desde el punto de vista curatorial, al mismo tiempo que es un proyecto artístico sobre cómo presentar obras que nunca fueron realizadas. Es obra nueva y vieja al mismo tiempo. Repiensa ideas de revisionismo, reescritura, reconstrucción y conservación: es una muestra sobre el tiempo y sus diálogos.

Acerca del artista.
Axel Straschnoy (1978) es un artista de Argentino radicado en Helsinki. Sus proyectos de investigación de largo plazo incluyen Kilpisjärvellä (2012) una película para planetarios sobre la exploración en Laponia bajo las auroras boreales, la serie de charlas performáticas Notes on the Double Agent (2013) y Neomylodon Listai Ameghino (2015), una muestra itinerante que está volviendo a juntar los restos del Neomylodon ciento veinte años después de su descubrimiento. Straschnoy participó de la residencia Le Pavillon de Palais de Tokyo (2008-9) y es Licenciado en Historia del Arte por la Universidad de Buenos Aires.

Acerca del curador.
Javier Villa (1978) es Licenciado en Historia del Arte por la Universidad de Buenos Aires. Participó del programa curatorial de De Appel Arts Center en 2010-11 en Ámsterdam. Es curador senior del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Esta muestra es producida en colaboración con Kolme Perunaa y cuenta con el apoyo de FRAME (Contemporary Art Finland) y Taideneuvosto Konstradet Central Arts Council.

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DOBLE DE MUJERES |GACHI HASPER – MARIELA SCAFATI

Una se destaca en el arte de ligar y desligar el color en un juego sutil de la línea, La otra se apropia ropa para crear pinturas.
Una activa los quiebres de ritmos y los entrelazamientos de formas para hacer vibrar los colores y las formas.
La otra transforma los objetos en cuadros y los cuadros en objetos.
Una practica el valse de los rectángulos y de los círculos.
La otra tiene afecto por las bandas pero también por los planos.
A una le gusta el color de los afiches de los bailes populares y sus tipografías. A la otra le gusta hacer penetrar en el color las palabras del mundo.
Una sabe que la forma ortogonal de una fachada puede esconder las columnas de archivos de nuestras tragedias.
La otra ahonda en los campos del color los surcos de nuestras esperanzas.
A una le gusta hacer aparecer y desaparecer la geometría en el calidoscopio de la policromía. A la otra le gusta que el cuadro pudiera ser un mueble o una ropa,
Una nos sumerge en las redes del color, la otra encuentra la pintura ahí donde uno no lo esperaría.
Una, Graciela Hasper, nos presentará por sobretodo pinturas, pero hay que saber que ella es también fotógrafa y creadora de videos. Hay que recordar sus intervenciones murales donde fotos de afiches vienen a subrayar una topografía de formas y, representando nada más que la presencia colorida de sus contornos, no están sín llevar el eco de una urbanidad. Me acuerdo, a propósito de ella, del uso que hacía Ellsworth Kelly con elementos de lo real (ventanas, reflejos del agua, etc.) para solucionar el tema de la composición.
La otra, Mariela Scafati, desvía la pintura hacia ”objetos híbridos” que atravesan los géneros, no solo pinturas, esculturas o instalaciones sino todas a la vez. Le gusta tomar las cosas al revés, integrar una cierta fragilidad, una consciencia de lo obsoleto ineluctable de las cosas. Ella sabe inscribir las palabras que dibujan una presencia al mundo, como ”la melancolía no es siempre un sentimiento malo” o ”agresivamente no violento”. Me acuerdo de su Teléfono!, un pequeño encuentro con Lidy Prati, una de las más bellas y sutiles instalaciones que pude ver en Buenos Aires en 2009 en el Centro Borges.
Con su energía y su impertinencia, ellas nos refrescan la visión, decantan la mirada de sus estereotipos.
Esta exposición funciona cómo una hazaña doble por parte de dos grandes damas de la abstracción argentina.
Para esa ocasión, quise también recordar a Manuel Espinoza y Raúl Lozza de quienes la Galería Delinfinito posee algunos de sus tesoros.
Philippe Cyroulnik

Flyer Leo Battistelli

GARGALHADAS| LEO BATTISTELLI

URRA

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LUCIANA LEVINTON

LIMBO

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Elena Dahn

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Universus

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Andres Sobrino

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Summer Group Exhibition

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Volar

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Casino | Benito Laren

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Rockoco | Mara Facchin

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Different

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Florencia Almirón

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PLC II

Juan-Stoppani-La-señora-y-su-gato,-Triptico-Acrilico-sobre-tela-190x280-cm.-2010

Juan Stoppani

ana-clara-soler-musica-desde-la-mansion

Música desde la mansión

eugenia-ivanissevich-Stationary-ballet-Fotografia-Objetos-dispositivo-2008

URRA